Pollitos en Fuga. es una simple pero graciosa película que muestra un extraordinario logro en el campo de la animación física. Este es el increíble y meticuloso proceso de dar vida, cuadro por cuadro, a modelos de arcilla o plastilina, lo cual demuestra destreza y creatividad. Detalles de filmación
Esta basada en la historia escrita por Nick Park y Peter Lord. Fue realizada en Gran Bretaña. Pertenece al género animación. Tiene una duración de 85 minutos. Las voces de los principales actores pertenecen a Mel Gibson como Rocky y a Julie Sawalha como Ginger.
Mensaje
De manera asombrosa, la cinta mezcla en la dosis correcta comedia y drama, respetando profundamente a los personajes.
Es una metáfora acerca de la libertad. El mensaje que nos llega es muy claro: para lograr una meta u objetivo debemos vencer el mayor de los obstáculos: nosotros mismos; allí se condensan dos cosas: el miedo a liberarse y la comodidad de ser víctimas.
“las rejas las tenemos en la mente”
La fuga por dentro
El stop motion consiste en fotografiar cada movimiento y secuenciarlo a razón de 24 fotos por segundo, de esta forma se da vida a los personajes del film Pollitos en fuga, creados con plastilina, látex y mucha imaginación
El esqueleto
Es de acero y resina, para darle firmeza al muñeco y facilitar su manipulación Los moldes
Para ahorrar tiempo, se fabricaron moldes con las diferentes partes de los personajes, que ayudan a dar la forma a la plastilina
Moldes para el pico
Todas las gallinas tienes un pañuelo o un collar, que ayuda a identificar cada personajes y oculta la unión entre la plastilina del cuello y el látex del cuerpo.
Los ojos Son bolitas de plástico aplicadas sobre la plastilina. Para hacerlos pestañear, los animadores pegan encima de los ojos párpados modelados previamente.
La animación Para cada segundo de película hacen falta 24 fotos, cuya sucesión da la sensación de movimiento. En los 84 minutos que dura el film, hay un total de 120.960 fotos.
La vocalización Es la animación de la boca de un personaje hecha en base a una voz grabada previamente:
1) Se escucha atentamente la voz grabada y se la pasa a una planilla dividida en bloques de 24 casilleros, que representan las 24 fotos por segundo.
En cada casillero se escribe el sonido de la voz correspondiente a cada foto.
2) Cada personaje utiliza 60 picos previamente modelados, que corresponden a cada sonido vocal.
3) El animador reemplaza el pico en cada cuadro de película
En el stop motion se requiere corregir los detalles finales antes de realizar la filmación final, como lo es pulir colores, corregir algún error en el material a utilizar, o Darle otra perspectiva a tus materiales.
Lo más común en un espectador es relacionar la animación en Stop Motion con la plastilina.
La pixilación, el cut-out, la animación con arena o con pintura sobre cristal, la rotoscopia, la pintura con luz, el inquietante stratacut son algunas de las técnicas que se pueden utilizar dentro del Stop Motion, además de la plastilina para tener diferentes y mejores enfoques.
Este video trata de como hacer el movimiento facial con muñecos de plastilina , lo primero que hacen es mover cada extremidad con mucho cuidado y toman las fotos (foto por foto para que el movimiento se vea lo mas real posible).
Aquí muestro un video de stop motion, hecho con un celular y puras cosas en miniatura. Solo para demostrar que no importa el material, sino la calidad del movimiento de las cosas que vas a animar, es decir, se ve mejor un video con buena animación y material básico, que uno con unos muñecos muy bien hechos y un super equipo, pero no saber moverlo... Aquí es donde se demuestra que no importa lo que animes, sino como lo animes.
Estos video nos muestran desde los grandes sets para los escenarios hasta las diferentes caras o manos de los personajes para poder crear el stop motion
Desde mi punto de vista hemos visto ya muchos ejemplos y mucho sobre las técnicas y la parte física de el Stop motion, pero trabajando con mi equipo me di cuenta que lo más difícil de hacer, no es la parte práctica ni el el desarrollo de el proyecto, si no que la HISTORIA valga la pena desarrollarse como proyecto.
Para éste trabajo nos dejaron elaborar un cortometraje de mínimo 30" con la técnica de stop motion, 30" que en la vida real se pasan rapidísimo, pero como animador a la hora de intentar crear o imaginar un momento, unos segundos que la gente quiera ver, 30 segundos en los que puedes hacer lo que quieras son demasiado, hemos pensado y repensado, y aunque tenemos muchas ideas, estoy segura de que ninguna de las propuestas ganaría un Oscar ;) (son muy buenas todas por cierto) aquí algunos tips que encontré para que esto sea más fácil.
Se original, pero no caigas en lo rebuscado.
No intentes algo muy psicodelico, comenzaras con buenas ideas, pero no tendrán coherencia y jamás terminarás.
Intenta pensar en cosas cortas, dichos, refranes, anécdotas cortas, chistes, etc.
Elige algo simple y dale un toque al final, es sencillo y divertido para el espectador.
No imagines taaantos efectos especiales difíciles de lograr, recuerda que es stop motion, no quieres editar foto por foto.
El mensaje que llevas, es importante, pero pon atención a tu alrededor a veces algo más simple gusta más que algo intelectual y educativo y también es más simple a la hora de la ejecución del proyecto.
Imagina la perspectiva de todo, intentas darle vida a un objeto, pregúntate, como es la vida de....la/el/los/las?
De verdad no te quiebres la cabeza, puedes hacer lo que quieras, piensa en frases cortas formadas con palabras aleatorias y listo 1.-artículos, 2.-sustantivos 3.-adjetivos de apariencia y comportamiento 4.-preposición 5.-sustantivo. ej: 1.- las 2.- hembras 3.-mutantes y locas 4.- debajo de 5.- el puente FIN.
Si eres bueno manejando plastilina o algo así, aprovecha tu talento, y si no, aprovecha la existencia de la plasti e intenta efectos fáciles como derretirse o sangrar.
Comienza por el final, quieres muertos, felices, peleados, explosiones etc.? y un momentito antes que pasó? de ahí comienza la historia y la tienes.
Este video trata como se elabora una animación un stopmtion con piezas de Lego y de tips para hacerlo, tanto de manera tradicional como el uso de software.
Este video muestra como hacer una animación en stop motion.
En el video, el sujeto muestra como hacer un stop motion del movimiento de unas llaves y un celular, por medio de fotografías que tomo paso por paso conforme iba acomodando las llaves y el celular.
Al final se muestra otro stop motion mas avanzado, en el que el sujeto pareciera que va haciendo crecerse una barba. Yo considero que en ese stop motion las fotografías debieron haber sido tomadas a la inversa (el sujeto se iba rasurando) y al final fueron editadas de atrás para adelante.
El Brickfilm no es una técnica de Stop Motion pero si una
categoría de ésta ya que es una muy recurrida animación por aquellos que son
aficionados o simplemente quieren empezar o probar en este arte, es claro que
el material principal de esta animación son los “LEGOS”, el termino fue
denominado por Jason Rowoldt quien llamo de la misma manera a su página web
Brickfilms.com
Aunque el termino fue dicho hasta en el 2000 existen
proyectos de antes, el primero conocido hasta ahora es “En rejse til månen” (Journey to the Moon) que fue hecho en 1973 por Lars C. Hassing
Hoy en la actualidad hay muchostrabajos, desdeunos con mucho detallecomo trabajos muy sencillos hechos incluso por niños ya que les gusta ver a suspequeñospersonajes con “vida”. Aquí hay algunosejemplos de Brickfilm:
Las versiones Star Wars fueron las más populares entre la
gente, no la única pero si de las más populares que de esta manera se impulsó a
realizar animaciones 3d de estas figuritas
Incluso hay un tutorial muy sencillo de cómo realizar el
Brickfilm ya que este método es uno de los más fáciles de realizar pues los
personajes ya son creados de manera en que puedan ser rígidos y no necesitar de
un soporte pues comúnmente en estas animaciones ya se usa un suelo lego que
hace al personaje engancharse y no moverse
uno de los principales problemas que podemos encontrar en el stop motion es el hecho que en ocaciones las partes del cuerpo de nuestros modelos, realizan movimientos involuntarios o en otras ocaciones no pueden adoptar y mantener la postura que deseamos, asi que es mejor crear alguna plataforma, o baase para sujetar las partes del cuerpo que necesitemos mantener estaticas, aunque representa un poco mas d etrabajo de edicion si es que alguna parte de la base llega a notarce, o bien tratar de ocultar dichas bases
las bases pueden ir de lo mas simple hasta lo mas complejo, dependiendo del peso y tamaño del modelo
Escogí este vídeo por que me parece muy interesante la técnica usada ademas de que la historia que cuenta es algo que todos entienden espero les guste.
Tal vez la última película de monstruo gigante , King Kong fue la obra magna de Willis O'Brien. Kong, el ' gigante Terror Gorila ' fue traído a la vida con cuatro títeres escala de distintos tamaños, cada una construida en aluminio , látex, caucho y piel de conejo para sus secuencias de stop-motion , mientras que una de tamaño completo la mano y la cabeza, el pecho y cuello se construyeron para las escenas en primer plano .
Una aventura de pulpa jovial , King Kong está llena de acción, sino también pathos ; Kong puede ser una bestia temible , capaz de luchar contra los dinosaurios o arrojando hombres de mandíbula cuadrada de un tronco como un puñado de hormigas , pero su posterior tratamiento por parte de feriantes PT Barnum - gusta y entonces la fuerza aérea de EE.UU. está extremadamente moviendo. Esto es gracias en gran parte a la animación magistral de O'Brien , sin ella , King Kong podría haber sido poco más que una nota al pie caro y bastante embarazoso en la historia del cine .
En cambio, la reina del grito Fay Wray tiene una verdadera presencia en la pantalla para jugar fuera en contra, y el cine se trató de uno de sus primeros y más grandes películas de efectos especiales . Cuando un Kong fatalmente herido cae de la parte superior del Empire State Building , es un momento que todavía tira en el corazón , incluso después de todos esos remakes y parodias .
The Seventh Voyage of Sinbad (1958)
Después de la contemporánea dino-alboroto de La Bestia De 20.000 Fathoms, Harryhausen comenzó su ciclo de películas de aventuras de fantasía, comenzando con El séptimo viaje de Simbad. En este punto, Harryhausen había perfeccionado su técnica de animación llamada Dynamation, que utiliza la proyección posterior para combinar secuencias de acción en vivo con stop-motion. Este proceso, junto con el uso abrasador del séptimo viaje de color, hizo las secuencias de efectos extraordinariamente potente para la época.
Harryhausen pasó 11 meses la creación de estos momentos, pero sus esfuerzos han merecido la pena, la película fue un éxito suficiente para desovar dos secuelas, y la reputación de Harryhausen como un maestro de los efectos especiales se consolidó.
Star Wars (1977)
George Lucas emplea una amplia gama de técnicas de efectos especiales para llevar Star Wars a la vida, y su éxito de taquilla colosal revitalizó el interés de Hollywood en la fabricación con muchos efectos éxitos de taquilla . La mayoría de los revolucionarios una vez que las secuencias de combate aéreo de Star Wars han sido creados usando modelos en miniatura y cámaras de movimiento controlado , pero stop motion no hacer acto de presencia en una escena memorable y frecuentemente citado - aquel en el que R2- D2 y Chewbacca juegan Dejarik bordo del Milenio Falcon .
Jugar a cabo como una versión holográfica de ajedrez, la secuencia Dejarik fue elaborado por un joven artista de efectos visuales llamado Phil Tippett . Tippett se inspiró para entrar en la animación tras ver El séptimo viaje de Simbad , y es fácil de detectar un indicio de la influencia de Harryhausen en el diseño y los movimientos de los monstruos de combate del juego.
Fue sólo un breve momento en una película llena de criaturas y efectos exóticos , pero la escena Dejarik no sólo capturó una generación de imaginaciones jóvenes ( que no habría querido que su propio juego de lucha monstruo holográfico ? ) Y también marcó el comienzo de Tippett notable carrera . " Deja que el wookie ganar " de hecho.
The Evil Dead (1981)
Un joven Sam Raimi irrumpió en la escena con su moviemaking 1981 película de terror The Evil Dead . Pero mientras que la película se convirtió en el epítome de bajo presupuesto sangre ( lo que desató una ola de imitadores cuyas convenciones fueron satirizado recientemente por The Cabin In The Woods) , vale la pena señalar cómo es elaborado e imaginativo que muchos de los efectos son .
En la marca de 75 minutos , y después de haber tirado de galones de sangre y miembros amputados en la pantalla, Rami nos trata a varias secuencias animadas de movimiento parada deliciosamente sucio , que cuentan con la fusión Deadites y un libro de gritar de los Muertos. Creado por Tom Sullivan , que trabajó incansablemente en todos los aspectos de los efectos del mal muerto , pasó varias semanas creando la secuencia final en stop-motion elaborada. Aunque parezca increíble, esta escena fue una de varias cortado con tijeras por los censores en el Reino Unido - no fue hasta 2001 que el público británico , finalmente llegamos a ver la obra de Sullivan en su totalidad.
The Terminator (1984)
Hecho para una magra $ 6,4 millones , película de ciencia -ficción de gran éxito de James Cameron estaba lleno de efectos especiales de la invención. Gene Warren Jr. y su estudio Fantasy II fueron los responsables de varias secuencias de stop-motion , el más obvio , la escena final , donde un endoesqueleto Terminator despojada emerge de un camión en llamas y persigue a Sarah Connor y Kyle Reece . Trabajando a partir de un diseño a gran escala por Stan Winston , Warren y su equipo crearon una miniatura stop-motion , cuya forma y los movimientos del esqueleto recordar inmediatamente a los organismos revividos en Jason y los argonautas . Curiosamente , la versión de carne y hueso de Schwarzenegger del personaje fue dada una cojera poco antes de esta secuencia, con el fin de hacer más fácil para los animadores se casen los movimientos de la animación Terminator y el actor de .
Aunque la calidad de los efectos fue superado por 1.991 secuela de Cameron , el Día del Juicio , Terminator sigue siendo una película que emociona sin descanso , y la aparición de la tecnología Terminator descarnado de una manta del fuego es un momento de animación clásica .
Indiana Jones and the last crusade (1989)
La trilogía original de Indiana Jones se fue con una explosión con la última cruzada, mientras que el villano Donovan (Julian Glover) salió con un grito y un cúmulo de efectos especiales. Tal vez con la esperanza de terminar con el mismo destello de lo grotesco que trajo a En busca del arca perdida, Spielberg tuvo Donovan bebe de una versión falsa del Santo Grial, lo que lleva a una secuencia de la decadencia acelerada creado por ILM. La escena tuvo tres meses para crear, y se utiliza una mezcla de miedo maquillaje, maquetas, y finalmente un poco de stop motion. No es más que breve, sin embargo, sus cuentas de uso de la piel arrugada espectacularmente cutre.
"Eligió mal", el viejo caballero dice, en uno de los grandes subestimaciones de Hollywood.
Es el software para capturar imágenes para crear animaciones en "stop motion".
MATERIALES DEL PROGRAMA
MATERIALES DE ANIMACIÓN:
ANIMA A TU MANERA
Puedes sentir que animas más a gusto con la "cebolla" mezcla la visualización en vivo sobre el marco previo. O puedes optar por ver directamente entre la vista en vivo y las tramas capturadas. Enciende el auto-conmutador para alternar entre la visualización en vivo y un marco de captura o la reproducción en bucle para obtener la sensación de movimiento que tu quieres.
ROTOSCOPIA/CHROMAKEYING
¿Tienes una imagen, una película o escena anterior en Dragonframe de la que necesita hacer referencia mientras haces la escena? Puedes cargar una capa de alineación y verlo con la animación. Mezclas la capa con capas de cebolla o incluso puedes tirar de una clave de croma en él.
KEYPAD MAKING
Las herramientas de animación más útiles están disponibles a través del teclado Dragonframe, lo que le permite mantenerse enfocado en la animación en lugar de estar buscando las herramientas. Y las teclas de acceso rápido son totalmente configurables, así que si realmente te gusta una característica que no está en el teclado, se puede mover allí.
MATERIALES DE CINE:
CONTROLES DE CÁMARA
Ajuste las configuraciones de cámara como la velocidad de obturación, ISO y balance de blancos directamente desde el programa. Comprueba y ajusta el enfoque con las cámaras Canon y Nikon. Tome fotografías de prueba y obtén tu disparo justo antes de comenzar.
REVISIÓN DE IMAGEN
Revise las imágenes a resolución completa. Compruebe si hay subexposicion o sobreexposicion en ciertas áreas, con el "clipping view". Cargar imágenes desde otras escenas para comparar la exposición y la composición. Comparar contraste de la imagen con el Densitómetro Digital.
MÚLTIPLES EXPOSICIONES
Configurar varias exposiciones (sub-frames) con diferentes ajustes de la cámara. Cree una sucesión de exposiciones con diferentes velocidades de obturación. Exposiciones de enlace para mantener juntas sus configuraciones
GUÍAS DE COMPOSICIÓN
Componer para múltiples formatos con confianza. Combine máscaras con las guías de televisión. Añadir superposiciones de cuadrícula para ayudar con la composición. Añadir una máscara de encaje a presión a permitir post-producción push-in o paneo.
Cuando hablamos de técnicas de animación parece que sólo podemos pensar en sofware complejos que utilizan en la industria cinematográfica para presentarnos sus últimos personajes animados. Pero el Stop Motion es una técnica tan sencilla que cualquiera de nosotros, con una cámara y un programa de edición de vídeo (nada muy sofisticado) podría hacer su pequeñas animaciones. En este caso con recortes, o figuras de papel. y son desde la escenografia hasta los personbajes, Esta método de animación se basa en la toma de fotografías, fotograma a fotograma, principalmente de un objeto inanimado. De este modo se consigue que elementos estáticos adquieran vida.
Through stopped motion you have thousands of images to shoot, but you need to place the same kind of focus you had with one image, and apply it to many. It is probably helpful to discuss an “image” as a “scene”. So, in a movie, every element in a scene is important right? Each element helps to describe the story, thus making it stronger. Same principle is applied in the elements of a photo. Same principle is applied in stopped motion.
For these visuals, your story needs to be extremely strong. And by story, I mean, “series of images”. Just like in video you create a flow of progression from the “scenes” of your story, your “scenes” also must create a progression.
2. Create a storyboard for your stopped motion piece
If you go into stopped motion creation without planning and storyboarding, you will be sunk with a l.o.t. of time in post processing. In video, the medium is in clips. But in photo, the medium is in single images. Unless you have thought out what elements and scenes you want in your piece, you will have the unfortunate experience of sorting through thousands of individual photos to try and put the piece together. Take my advice. It is challenging enough to work with thousands of individual photo’s when you have your piece planned out. Without a plan, you will be left with trying to sort through what series of photo’s to move where, etc. etc. and it’s just incredibly complicated. So don’t do that. Story board.
I’m sure you’ve heard enough about storyboarding from the great “making of” specials on different movies, but practically, how do you dissect a story board?
Start with a script. You must k.n.o.w. what you want to communicate. Sometimes it’s easier to start this in writing. Write a story just like any other. Intro, which explains the characters and the core of the film. The development, in which more elements are introduced to further complicate or challenge what already existed. And then the conclusion and resolution of story and all it’s elements where your audience can take away the final message.
Mentally visualize your story. What visual elements create the intro, the development, and the conclusion? Will you need to alternate between wide angle and detail shots? Remember, the point of stopped motion is to literally CATCH MOTION. The series of HOW you catch that motion is what you need to visualize.
3. Shoot to NOT edit
The point of a stopped motion piece is not individual photos. The point is multiple image series capturing motion. You don’t have the time to edit each individual shot. You will be editing the series – culling and placing them into a timeline.This means that unless you “shoot to kill” you are going to be wasting a lot of time simply because you didn’t get it right the first time. Now, this is not to say that you don’t have the freedom to make artistic edits, but remember it is going to add more time. Using Imovie, Windows Movie Maker, or Final Cut Express will give you a variety of editing options for your disposal.
4. Add audio to give emotion and connect the story
Audio isn’t the main point of a stopped motion film, but it most certainly can strengthen the piece by magnanimous proportions. Sometimes the audio will simply be music. Sometimes it will be sounds. Sometimes it will be narration. Sometimes it will be all three. It truly just depends on the scope of the project. Sometimes it is easier to start with audio and add visuals, but it can be much simpler to plan audio when nearing the completion of visual assembling. Then I can determine how much audio to bring in and what the feel of it ought to be.
5. Consider output.
Done with your stopped motion piece? Export based on what you want to do with the piece. Posting it to web? Putting it on your phone? Burning it to a DVD? Consider how you are going to use the piece before completing your last step of output.
Los efectos especiales son una variedad y conjunto de técnicas, creadas para darnos una visión fantástica de la realidad, haciendo desaparecer la barrera entre la realidad y la imaginación, y darnos la posibilidad de vivir durante unos momentos en un mundo lleno de fantasía a través de la gran pantalla.
Forman parte de la ciencia y del arte de la cinematografía. Todo tiene una lógica relación, porque para realizar estos grandes e impactantes efectos especiales de hoy en día, y que lleguen a llamar nuestra atención, se necesitan unos previos estudios de como conseguir esto, con las diferentes herramientas que nos deja la ciencia y con un armonioso y exacto acabado estilístico.
Efectos especiales mecánicos.
Se podría decir que no existe ningún film que no tenga algún efecto especial, ya que el simple hecho de apreciar como movimiento el paso de 24 imágenes fijas por segundo constituye un efecto especial.
Los efectos especiales mecánicos se crean mecánicamente delante de una cámara o digitalmente en un momento posterior.
Dentro de los efectos especiales mecánicos existen diferentes ámbitos:
Creación de fenómenos naturales ( lluvia, nieve y tormentas): Para estos efectos se suelen emplear grandes ventiladores con potentes motores y grúas desde donde hacen caer chorros de agua en las escenas que lo precisen. También utilizan nieve falsa y, mediante imágenes generadas por ordenador,son capaces de crear dramáticos tornados y volcanes en erupción.
Producción de explosiones y fuegos:
La creación de efectos explosivos en el cine suele implicar un gran peligro, por lo que es preciso adoptar severas medidas de seguridad para evitar un desastre. El pirotécnico es quizá la persona más preocupada por la seguridad de todo el equipo fílmico. Además, muchas explosiones sólo pueden hacerse una sola vez, por lo que el control del tiempo ha de ser perfecto.
Fuego; Cuando el fuego está presente, el pirotécnico crea una zona de seguridad que sólo él puede cruzar para colocar fulminantes, esparcir líquido inflamable o hacer explotar detonadores. Los dobles sustituyen a los actores en las escenas más peligrosa, como alguien que se quema vivo, o que huye de un lugar en llamas. El fuego se controla con mucho cuidado y se utilizan geles y trajes especiales. Para crear las llamas se suele utilizar un dispositivo conocido como barra de fuego que funciona con gas y unos reguladores que controlan la altura de las llamas. Cuando se precisa de un primer plano de alguien prendido en llamas, el doble debe usar una máscara protésica especial que se parezca al actor, se viste al actor o al doble con ropa ignífuga junto con máscara protésicas en manos y cara, la máscara es retardante contra el fuego y lleva un tubo especial que debe apretar con los dientes para sellar la máscara. A los 20 segundos, ha de apagarse el fuego puesto que es el máximo tiempo que el doble puede contener la respiración.
Uso de modelos a escala real:
Desde King Kong haciendo estragos en el centro de Nueva York(1933) al Tiranosaurus Rex atacando las calles de San Diego en El mundo perdido (1997), los productores de cine han confiado en las habilidades de los artesanos de las marionetas y de los expertos en animatrónica.
Animatrónica: Arte de crear criaturas electrónicas y mecánicas que responden al control remoto. La animatrónica crea lo increíble sin necesidad de entrenadores especiales ni tomas repetidas. Las criaturas pueden tener el aspecto de un animal corriente, como el gorila de la película Buddy. Sin embargo, dar vida a animales robóticos cuesta meses de preparación a cargo de técnicos y titiriteros expertos. Una vez en el estudio, se les equipa con alambres, varillas, armazones metálicos y sensores electrónicos para crear la ilusión de un animal vivo que respira, con piel, garras , pelo y dientes reales.
Mayor que la realidad; Si solo midieras 10 cm de alto, las madres del parque te parecerían autopistas gigantes, las sillas rascacielos y las mascotas de la familia monstruos terroríficos. Para crear estos efectos se utilizan varias técnicas, incluyendo escenarios y decorados gigantes y el uso de la pantalla azul.
Maquillaje: El maquillaje no se reserva solamente para criaturas hermosas y atractivas. A veces se necesitan maquillajes especiales para crear monstruos espantosos y hombres-lobo sedientos de sangre. Para ello suele utilizarse pelo postizo, garras y colmillos puntiagudos para dar el toque de ahorrar necesario. Muchas veces los actores han de pasarse cinco o seis horas en el sillón de la ala de maquillaje para que les transformen las facciones mediante máscaras de látex, falsas cicatrices y lentes d contacto de color. La cara y el cuerpo pueden transformarse radicalmente gracias a la protésica, término con el que se denominan los efectos especiales utilizados en maquillaje para crear una nueva piel y una nueva estructura ósea alrededor del cuerpo auténtico de un actor o una actriz. Con materiales dúctiles como la espuma de látex, gelatina y yeso.
Stop Motion
Es la técnica para filmar fotograma por fotograma, permitiendo animar cualquier tipo de animal o monstruo de plastilina u otro material parecido. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador,esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
El descubridor de este efecto fue Georges Méliés a comienzos de 1900.
La técnica consiste en que para rodar una escena por ejemplo de un monstruo, primeramente se hace el monstruo con plastelina, y después se le coloca en la posición inicial.
Entonces se rueda un sólo fotograma (frame). Posteriormente se modifica ligeramente la forma y la posición del monstruo, según el movimiento que se le quiera dar. Después se vuelve a grabar un fotograma y así sucesivamente. Es un trabajo muy laborioso y para tener que invertir un tiempo más razonable se filma a 5 o 10 cuadros por segundo en vez de a 24 fotogramas por segundo, como en el cine normal.
Trombone Shot
También llamado "Travelling in / Zoom out" , ésta técnica consiste en aumentar la profundidad en la perspectiva sin modificar el tamaño del sujeto al que se esta filmando. Para realizar un "Trombone Shot" se coloca la cámara alejada del sujeto al filmar y se calibra el zoom para que el sujeto no salga demasiado pequeño. Después mientras se acerca la cámara (travell in) se va quitando el zoom gradualmente, para que el sujeto permanezca del mismo tamaño en el encuadre.
Blue Screen Esta técnica se utiliza para evitar riesgos que pueden tener los actores y para reducir costes de la pelicula. como por ejemplo cuando el actor tiene una secuencia en la que tiene que estar en el polo norte, en el exterior, en un lugar lejano, o en las alturas lo cual corre cierto peligro, simplemente ponemos de fondo una imagen con el lugar en el que queremos que esté el personaje y aplicamos la técnica Blue Screen. Para realizar esta técnica primero se filma al actor o modelo frente a un fondo de un solo color, por lo general azul o verde, ya que son los colores más alejados al del tono de la piel humana, después a las porciones del color preseleccionado en el fondo se les sustituye por otra imagen que puede haber sido filmada en otro momento o se puede crear por ordenador.
Miniaturas Un ingrediente de casi cualquier película son las miniaturas. Éstas han hecho posibles la explosión de la Casa Blanca en “Independence Day” (1996) o de un camión cisterna en “The Terminator” (1984). Otras miniaturas ya no tan pequeñas, como la del “Titanic” (1997), hicieron posible el hundimiento del barco. Casi toda película bélica de cualquier época contiene efectos creados con miniaturas, ya sean ciudades, aviones, barcos… Esta técnica abre las puertas para la realización de muchos planos complicados, sobretodo de pirotécnia.
Este video nos muestra como se realizo el spot de televisíon The Bear and the Hare (El Oso y la Liebre).
Aquí nos muestra que para realizar este video se utilizaron diferentes técnicas de animación como stop motion y animación tradicional, desde la realización de los escenarios hasta los dibujos hechos a mano.
Wallace y Gromit es una serie de películas británicas realizadas mediante la técnica de la animación en volumen o stop motion. Wallace y Gromit fue creado por Nick Park y por la compañía Aardman Animations. las figuras elaboradas estan elaboradas con plastilina sobre esqueletos de alambre.
Personajes:
-Wallace: Wallace vive en el 62 de la calle West Wallaby con su perro Gromit. Suele vestir camisa blanca, pantalones color marrón, chaleco de lana verde y una corbata roja. Le fascina el queso (especialmente de la variedad Wensleydale) y es un bonachón inventor
optimista e incansable con ideas un tanto descabelladas. Sus creaciones
no siempre tienen el efecto esperado. Según Park, todas las invenciones
de Wallace están concebidas alrededor del principio de utilizar un mazo
para abrir una nuez. Algunos de los artilugios de Wallace se basan en
inventos de la vida real.
-Gromit: Gromit es un perro labrador que vive con Wallace. Le gusta tejer, leer, escuchar a Bach
y comer cereales. Sus objetos más preciados son su reloj despertador,
un hueso, un cepillo y una foto enmarcada de Wallace y él. Aunque no
sabe hablar sus elocuentes expresiones faciales lo dicen todo. Es sensato y hábil, y suele sacar a Wallace de problemas. Tiene
conocimientos de electrónica y es capaz de resolver rompecabezas con
facilidad.
Esta serie se estrenó el 13 de agosto de 1997 en Estados Unidos. Desde entonces se han emitido 17 temporadas y la serie ha sido comercializada internacionalmente, incluyendo los mercados de España y Latinoamérica.23 Comedy Central anunció un acuerdo con los creadores de la serie, por el que South Park llegaría hasta la vigésima temporada en 2016.4 En 1999 se estrenó un largometraje de South Park, titulado South Park: Bigger, Longer & Uncut. A lo largo de sus temporadas, el programa ha cosechado cuatro premios Primetime Emmy y unpremio Peabody entre otros galardones.5
El uso de lenguaje obsceno y violencia por parte de South Park, su estilo de humor irreverente y el tratamiento de diferentes episodios de la actualidad estadounidense y mundial (como satirizar el episodio de las caricaturas de Mahoma o las burlas hacia la Iglesia de la Cienciología) le ha valido a la serie numerosas polémicas a lo largo de sus 17 temporadas
Pingu es una serie animada de origen suizo escrita por Silvio Mazzola y dirigida y animada por Otmar Gutman. La serie consiste en la vida de una familia de pingüinos que viven en el Polo Sur, y más concretamente las historias tratan sobre el hijo mayor Pingu, de 8 años, y su amigo Robbie lafoca. También hay muchos capítulos en los que aparecen el padre y la madre de Pingu así como (después que saliera de un huevo) su hermana pequeña Pinga y otros muchos personajes secundarios.
Una de las características que hace de Pingu un éxito internacional fue el hecho de que los diálogos se realizan en una jerga incomprensible (idioma pingüino), realizado sin guion por Carlo Bonomi.
A pesar de que Pingu y su familia viven en la Antártida, lo hacen en un iglú, que es una construcción típica de los inuit, habitantes nativos delártico.
En el 2004 la empresa británica HIT Entertainment adquiere los derechos de Pingu, y hace una nueva temporada.
Pingu: Es el protagonista de la serie. Al igual que sus padres, es de color negro con una barriga blanca, una boca roja y unos pies redondeados y planos de color naranja. Tiene cinco años, y luego siete y ocho. Su frase favorita es "¡NUT NUT!", que suele usar para indicar ira, alegría, frustración o para llamar la atención. Finalmente en las temporadas 5 y 6 solo la usa para expresar felicidad. Además puede alterar la forma de su cuerpo, alargandolo y aplastándolo o adoptando la forma de una pelota. Su juguetes preferidos suelen ser su trineo, un patinete, un juego de bloques de madera, una pelota o un osito de peluche. Está enamorado de Pingi, una amiga del colegio.
Pinga: Es el hermana pequeña de Pingu. En las dos primeras temporadas parece tener unos 18 meses, en las temporadas 3 y 4 tiene 4 años, y en las temporadas 5 y 6 tiene 4. Su primera aparición en el episodio "Ha nacido Pinga". Al ser todavía muy pequeña, es de color blanco, con la espalda grisacea y la cabeza parcialmente negra. Su juguete preferido en un conejillo de peluche, que Pingu suele robar o maltratar cada dos por tres para hacer rabiar a su hermanito. A pesar de todo, le tiene un gran cariño a su hermano, y siempre le ayuda en todo lo que puede.
El Padre y la Madre: Son los padres de Pingu. El padre trabaja de cartero y tiene una moto de nieve para repartir el correo. En los primeros episodios fumaba en pipa, aunque lo dejó inmediatamente después de que naciera Pinga. La madre pasa la mayor parte del tiempo en casa. Ambos comparten las tareas domésticas (por ejemplo, tejer, cocinar y planchar). Sus nombres reales son desconocidos.
El abuelo: Es el abuelo paterno de Pingu y Pinga. Su edad es de unos noventa años. Es un experto acordeonista, y también, como lo demuestra en "Pingu y los tirantes", un ex levantador de peso profesional desde 1938. Apareció por primera vez en lecciones de música.
La abuela: Es la abuela paterna de Pingu y Pinga. Tiene cerca de 63 años de edad. Sólo apareció en las temporadas 3 y 4, y en un episodio (sólo un cameo) en la temporada 6.
Robby: La foca (llamado Seymour la foca en los libros con audio) es el mejor amigo de Pingu. Su nombre es un juego de palabras; "Robbe" en alemán significa "foca". En los primeros cuatro episodios, su piel era de color gris tirando a azulada, pero en el resto es de color gris claro. Su primera aparición fue en "Pingu va de pesca", en el que Pingu y Robby se pelean, pero se hacen amigos al final del episodio.
Pingo: Es un amigo de Pingu. Tiene un pico largo, esencialmente plano en la parte inferior, pero ligeramente redondeadas en la parte superior, también la cabeza es más ancha y más alta. Es bastante temerario, y con frecuencia convence Pingu para hacer cualquier clase de salvajadas.
Ping: Es un amigo de Pingu.
Pongi Es un amigo de Pingu, que lleva gafas en las temporadas 5 y 6. Su primera aparición fue en el hockey sobre hielo.
Punki (o "Profesor Threehorn" en "Pingu anual" serie de libros) también es otro de los amigos de Pingu. Su primera aparición fue en Pingu reparte el correo. Tiene un penacho en la cabeza y lleva pantalones a rayas. Su forma de hablar es bastante más peculiar que la del resto, ya que da la sensación de que habla cantando ópera. Sólo apareció en algunos capítulos.
Bajoo es también uno de los amigos de Pingu's. Él se revela por HIT Entertainment como un "recién llegado extraña a la Antártida en el aspecto de un muñeco de nieve abominable! Él es en realidad un muñeco de nieve abominables que recientemente apareció en el último episodio de Pingu Pingu y el Abominable Snowman. También apareció en el video musical y en "El Show de Pingu", que es un dispositivo de radiodifusión y no un episodio en sí mismo.
El maestro es el maestro de Pingu. Vive en una escuela cercana. Su primera aparición fue en Hora de la escuela, y sólo apareció en el episodio de Pingu en la escuela, sin embargo, aparece como un personaje secundario en algunos episodios.
Pingi Es la novia de Pingu y amiga de Pinga. Tiene pestañas gruesas y blancas. Ella apareció por primera vez en El admirador de Pingu. A veces Pinga se pone celoso de Pingi porque Pingu le presta más atención a Pingi que a ella.
Varios episodios de la primera temporada fueron retransmitidos a principios de los años 90 en canales públicos y privados de Latinoamérica bajo la distribución de la televisora alemana Transtel Cologne (hoy parte de Deutsche Welle). La serie también fue transmitida en el conjunto de programas llamado Big Bag (un conjunto de programas de Cartoon Network) alrededor de 1998, también era transmitida en Mundo Pequeño, un conjunto de programas de Cartoon Network y en México por Canal Once ahora también en Azteca 7 y en chile por Telecanal.
Son bolitas de plástico aplicadas sobre la plastilina. Para hacerlos pestañear, los animadores pegan encima de los ojos párpados modelados previamente. 
Para cada segundo de película hacen falta 24 fotos, cuya sucesión da la sensación de movimiento. En los 84 minutos que dura el film, hay un total de 120.960 fotos. 
Es la animación de la boca de un personaje hecha en base a una voz grabada previamente: 
2) Cada personaje utiliza 60 picos previamente modelados, que corresponden a cada sonido vocal. 
